Point In The Heart

[Point in the Heart - Acrylic 134x64cm by Claudio Fraiman]

I will be away, disconnected, out of the electronic network for a few days. It is good to breath fresh air, look at ancient tall trees and be near and in the water, in this case, the water of the Chesapeake Bay. Even if it is for a short while, renewing energies and getting reacquainted with Mother Earth is necessary.

In the meantime, guarding this blog, I leave this beautiful painting by Claudio Fraiman, full of good energies from the Kabbalah. The colors in this painting are warm and inviting and the shapes and use of space makes me feel very comfortable... Can you imagine a world so perfect like the one on this painting where all the circles intertwine and a whole diversity of colors mixed happily together? It is Paradise!

Be well...

Punto En El Corazon

Estare lejos, desconectada, fuera de la red electronica por unos pocos dias. Es bueno respirar aire fresco, observar los altos arboles ancestrales y estar cerca del agua y en el agua, en este caso el agua de la Bahia de Chesapeake. Aunque sea por un poco de tiempo, renovar energias y volviendo a compenetrarse con la Madre Tierra es necesario.

Por el momento, cuidando este blog dejo esta hermosa pintura de Claudio Fraiman, llena de buenas energias de la Cabala. Los colores en esta pintura son calidos e invitantes y las formas y el uso de espacio me hacen sentir muy comoda... Se pueden imaginar un mundo tan perfecto como este donde todos los circulos se entremezclan y una total diversidad de colores comparte feliz? Es el Paraiso!

Que esten bien...

Chilean Art

[Photo: Patricio Schmidt's Blog]

There is a Chilean movie director, Patricio Schmidt, who got my attention with his eye for meaningful and beautiful short films. They are not commercial films; they are pieces of art that tell stories about the life of the natives in little and forgotten towns and villages in Chile. Ko[Water], his latest short film captures the pace, the colors, the faces, and the scenery of the Southern part of Chile. Even the story itself in Ko, looks and sounds like one of the old tales being passed from generation to generation by the natives who live in those lands. When you watch this short film, let it take you to a world with which we are not familiar. Enjoy the images and the sounds; the wind, the ocean ... and open your senses to the great energy produced by the water as our main element in the world we inhabit. [Click here to see Ko]

[In the movie, the words said by the Shaman to the Father are translated as: "return to the water what you have taken from it"]


ARTE CHILENO

Patricio Schmidt es un director de cine chileno que me llamó la atención por el buen ojo que tiene para hacer cortometrajes llenos de belleza y significado. No son comerciales vale decir; estas son piezas de arte que nos cuentan de historias de los habitantes de pequeños y olvidados pueblitos en Chile. Ko [Agua], su último cortometraje, captura el ritmo, los colores, los rostros y los paisajes del sur de Chile. Incluso, la historia en sí misma en Ko, suena como uno de los cuentos que se pasan de generación en generación por los lugareños que habitan esas tierras. Cuando miren este cortometraje, permítanse ser llevados a un mundo con el cual no estamos familiarizados. Disfruten de las imágenes y los sonidos; el viento, el océano... y abran sus sentidos a la gran energía que nos transmite el agua como elemento principal de este mundo que habitamos. [Apretar acá para ver Ko ]

A Bit of Renoir

I have been too busy with some projects at work; I need a break and the Renoir exhibit at the Philadephia Museum or Art sounds like a good option. Renoir was so clear and neat on what he wanted to present; his paintings display a vision of a world from the past full of color and light. By the way, he did not paint things as they happened exactly in real life; he painted a beautiful version of reality instead. After all, he is the one who said: "Why shouldn't art be pretty? There are enough unpleasant things in the world."

I saw the painting shown above at the Orsay Museum in Paris, and I am hoping is part of the exhibit starting today in Philadephia. It is called Le Moulin de la Galette [1876] and is based on the dance hall where young Parisians would gather every Sunday afternoon. Just looking at all those people being in such a relaxed and happy mood, in a beautiful sunny Sunday afternoon is a pleasant feeling. Most of the figures in Renoir's work, were in fact portraits of his own friends, like this one which is supposed to be a series of portraits of many of them. Uuuh... Renoir and his light and optimism, how nice!


UN POQUITO DE RENOIR

He estado muy ocupada con algunos proyectos en el trabajo; necesito un descanso y la exposición de Renoir en el Museo de Arte de Filadelfia suena como un buena alternativa. Renoir era tan claro y nítido en cuanto a lo que él quería presentar; sus pinturas representan una vision del mundo pasado llena de color y luz. A propósito, él no pintaba las cosas como sucedian exactamente en la vida real sino que prefería pintar una linda versión de la realidad. Después de todo, él es el que dijo: “El arte debe ser hermoso, por que no? Existen ya demasiadas cosas poco placenteras en este mundo”.

Vi la pintura de más arriba en el Museo Orsay de París y espero que sea parte de la exposicion en Filadelfia. Se llama Le Moulin de la Galette [1876] y está basada en la sala de bailes donde se juntaban los Parisinos jovenes en las tardes de Domingo. Solamente al mirar a toda esa gente estando tan contentos y relajados en una hermosa y asoleada tarde de Domingo es muy placentero. La mayoría de los personajes en las pinturas de Renoir eran sus propios amigos, como en esta pintura que se supone es una serie de retratos de muchos de ellos. Uh ...la luz y optimismo de Renoir, que agradable!

The Holy Life of the Intellect

[George Bowering is the first laureate poet of Canada and author of more than 80 books]
[George Bowering es el poeta más famoso del Canadá y autor de mas de 80 libros]

One of the programs I often hear on the radio while I drive to work on the highways it's called I Believe. It is a program where once a week, some famous character writes about a subject of interest for her/him, incorporating the words I believe to the text. There have been excellent essays some of which made a long lasting impression on me like the one by Colin Powell or Isabel Allende. However, the one which has impressed me the most up to now is the one below. The reason why I liked it so much is because of the clarity in which the complex relationship between intellectuality and love are related.
Click here for the link to the text in English. I have experienced what Bowering is talking about, and I find it to be one of the best things in my life. Sometimes, these moments of extreme clarity are caused by reading a marvelous text o by listening to Bach, for example as I wrote on my previous post. These are good and valid reasons to believe in a superior being ...

La Santidad de Vida del Intelecto

Uno de los programas que escucho a menudo en la radio mientras manejo al trabajo por las super-carreteras, se llama Yo Creo. Este es un programa donde una vez a la semana, algún famoso personaje escribe una composición, y la lée en el aire, con respecto a cualquier tema que para ella/él sea de mucha importancia. De hecho, la composición debe tener las palabras “Yo Creo” incorporadas y de ahí el título del mismo programa. He escuchado excelentes composiciones entre las cuales se destacan en mi mente, la de Isabel Allende y la de Colin Powell. Pero la que más me ha impresionado hasta el momento es la que transcribo a continuación. El motivo por el cual me gustó tanto es porque expresa en forma muy clara complejas ideas relacionadas con amar y la intelectualidad. Realmente, es un texto apasionante el que Bowering escribió, pienso yo.

Creo que el intelecto humano es lo más cercano que tenemos a lo divino. Es la manera en la cual podemos unirnos a otro en espíritu. Algunas veces cuando escuchamos a un gran jazzista tocando un “solo”, estamos experimentando su mente, momento a momento, cómo se mueve y toma decisiones, cómo agrega cosas y recuerda. Estamos alli, adentro, en la mente de la otra persona.

La primera vez que escuché a Charlie Parker tocar “Ornitología” sentí dicha. Yo tenía alrededor de 11 aňos. Cuando niňos tenemos nuestras mentes tan intactas que al escuchar a alguien improvisando, sentimos una euforia que nunca obtendremos de la música que tiene un ritmo continuo.

Sentí la misma dicha cuando escuché por primera vez poesía improvisada. Cuando leí “La Música del Desierto” de William Carlos Williams, el libro se deslizó entre mis manos para caer estrepitosamente en el piso de concreto de la biblioteca. Más tarde escucharía al poeta Philip Whalen denominar este tipo de poesía como “un gráfico de la mente en estado de movimiento”. Sí, así es.

Puede que pase con la prosa también –frases que escuchamos en nuestra cabeza y que entendemos perfectamente cómo es que fueron sentidas adentro de la mente de otro. Yo creo que si es que hay un dios, esto es lo que él quería que hicieramos. Es la vida santa del intelecto.

Si es que podemos experimentar la mente de otro en la nuestra, entonces sabemos que amar es posible. Entendemos la razón por la cual el gran poeta Shelly escribió un poema el cual llamó “Belleza Intelectual” y lo denominó como un poder invisible que se mueve entre las cosas y la gente de esta Tierra.

Se le apareció a él cuando era un joven buscando sabiduría en las palabras de los muertos. Inteligencia significa textualmente “escoger entre”. Shelly lo denomino el espíritu de la dicha. Es el regalo del ingenio, el que textualmente se refiere a las cosas que nos hacen sonreír y aplaudir al mismo tiempo. Yo creo que ésto es lo que originó lo que los Griegos llamaron agape, los Romanos llamaron caritas, y lo que nosotros hemos adoptado como amar. Es más grande que la esperanza y la fé, de acuerdo a San Pablo de Tarsus en su cuestionada carta a los Corintios.

Si es que quieres experimentar ésto en vez de estar soportando mi prosa apostólica, escucha la improvisación de John Coltrane en su album inmortal, “Amor Supremo” [A Love Supreme]. Allí los tendrás: un buen intelecto, un saxofón y una plegaria perfecta..

Lo que escribio Bowering es algo que he experimentado, entiendo bien de lo que el esta hablando y es una de las mejores cosas de mi vida. Algunas veces estos momentos de lucidez casi plena que se logran a traves de la lectura de un texto intenso y maravilloso o de una pieza musical de Bach por ejemplo, como lo que hable anteriormente son razones suficientes y valederas para si creer en un ser superior ...

German Contemporary Art

[Ginkgo by Sigmar Polke]

I usually like to mix my posts to avoid talking about the same subject twice, but not this time; I continue with the same subject: Art. I really liked the “Notations” exhibit at the Philadelphia Museum last week of the three of the more prominent and influential of the contemporary German painters, Kiefer, Polke, and Richter. Twenty years ago, when I had just moved from Chile to the US, German artists were headliners on the contemporary art scene, but they were not of my interest. I even remember making sardonic remarks about their work then ... Those were the days of the punk look, the Depeche Mode music, the army boots and bad black/blue hair… I remember going with a group of friends who were art students, to a museum in Washington to see Polke’s work; they adored him, I was totally unmoved, and also surprised people actually liked Polke! These days; however, one doesn't hear much about Polke, or Kiefer, Richter, or any of the other so-called neo-expressionists. While their moment dominated a good portion of the 1980s, an especially plentiful decade for new art, it is long past.

But last week, looking at 11 works from these artists -a small but significant exhibit- with more experience on my shoulders, I was able to understand some of the historical perspective on what they contributed to innovative painting in the early years of the media revolution. This exhibit also gave me the chance to reflect on the fame these three achieved. Was it deserved at the time? Does their work seem as significant and exciting today as it did then? The context of their works has shifted since the 1970s, '80s and early '90s. Germany remained divided until 1989, but reunification proved to be a difficult process. And at least in the 1960s and '70s, when Kiefer and Polke were in art school, I am sure memories of Germany's crushing defeat in World War II were still fresh. Polke and Richter escaped from East Germany to the West. Polke was 4 when Germany surrendered, Richter about 13. Their generation had to come to terms with being artists in a defeated nation. Should they confront recent history directly, obliquely, or not at all? If the former, how should they go about translating whatever they felt into paintings that spoke to postwar generations? All three artists would use photographs in their pictures, but in different ways; this being the unifying thread in this exhibition. Each artist transformed camera documents into paintings infused with ambiguity.

My favorite painting on this exhibit was Ginkgo by Sigmar Polke, an abstraction created by process, in which the image, a blending of black and sepia colors, “represents an attempt to create mood through synergistic mixing of unusual materials - in this case, gold, natural pigments and synthetic resin” [Museum notes]. I found that Ginkgo reveals Polke's experimental side beautifully. Thus, within the confines of this one gallery I could travel through an energetic time in contemporary art and understand a whole lot more of the perspective these artists had. Also, I promised myself I would never make quick judgments regarding art without getting to know the whole story first.

ESPAÑOL

Me gusta mezclar el tema de mis posts para evitar hablar de lo mismo dos veces pero no ésta vez; continúo con el mismo tema: Arte. Realmente me gustó la exposición “Anotaciones” de los tres pintores alemanes contemporaneos mas influentes y prominentes, Kiefer, Polke, y Richter en el Museo de Filadelfia. Veinte años atrás cuando yo recién había llegado a los EEUU desde Chile los artistas alemanes eran super famosos en el mundo del arte, pero no me interesaban. Incluso recuerdo mis comentarios sardónicos acerca de sus obras en ese entonces … Esos eran los dias del punk look, la musica de Depeche Mode, las botas de combate, los cortes de pelo raros teñidos negro/azul… Recuerdo haber ido con un grupo de amigos estudiantes de arte a un museo de Washington a ver una exposición de Polke a quienes ellos adoraban. No me conmovió en lo más mínimo; me sorprendía que a la gente le gustara su arte! Por estos días eso sí, no se escucha de Polke, ni de Kiefer, ni de Richter o de ninguno de los que se llamaron neo-expresionistas. Aunque su momento dominó una porción importante de los años ochenta, una década productiva para el arte Nuevo, ya pasó.

Pero hace unos dias atrás mirando once obras de estos artistas –pequeña exposición pero muy significativa- pude entender, con más experiencia sobre mis hombros, algunas de las perspectivas historicas con las cuales contribuyeron a través de sus pinturas innovativas durante los primeros años de la revolución de los medios de comunicación. Esta exposición también me dió la chance de reflexionar acerca de la razón para obtener la fama que tuvieron. La merecían? Son sus trabajos tan significativos ahora cómo lo fueron entonces? Creo que el contexto de sus obras ha cambiado desde los setenta, ochenta, y principios de los noventa. Alemania estuvo dividida hasta 1989 –tuve la oportunidad de visitar la pared de Berlin antes de que la derribaran- pero la reunificación de Alemania fué dificultosa. Cuando Kiefer y Polke estaban en la escuela estudiando arte en los años sesenta y setenta, estoy segura que aún tenían fresca en sus memorias las experiencias de la pérdida de la Segunda Guerra Mundial. Polke y Richter escaparon al Occidente desde Alemania del Este. Polke tenía 4 años cuando Alemania se rindió. Richter tenía 13 años. Su generación tenía que confrontar el hecho de ser artistas en una nación que había perdido una gran guerra. Confrontarían esta realidad directamente, oblicuamente, ó la ignorarían? Si confrontaban la realidad, cómo la presentarían en una obra de arte que comunicara sus sentimientos y que al mismo tiempo relatara una historia a las generaciones posteriores? Los tres artistas usaron la fotografía en sus pinturas, pero de distintas formas y de hecho éste es el hilo común entre los tres. Cada uno de ellos transformó fotos en pinturas, llenas de ambiguedad.

Mi pintura favorita en esta exposición resultó ser Ginkgo de Sigmar Polke, una pintura abstracta creada siguiendo un proceso en el cual la imagen, una mezcla de colores sepia y negro, “representa un intento de crear caracter [mood] a través de la mezcla sinérgica de materiales inusuales –en este caso, oro, pigmentos naturales, y resina sintética” [Notas del museo]. Encontré que Ginkgo revela el lado experimental de Polke en una forma bella. Así, adentro de ésta galeria, pude viajar a través de un tiempo lleno de energía en el arte contemporáneo y comprender un montón más acerca de la perspectiva que estos artistas tenían. También, me prometí a mi misma que nunca volvería a juzgar arte en forma tan rápida sin llegar primero a conocer la historia completa.

Eugene Boudin (1824-1898)

We had such a wonderful weather today, just perfect to walk around in Washington, DC. So, my friend Lorena and I headed down there. My main interest was the Eugene Boudin's exhibit at the National Gallery of Art. So, after walking between the East and the West wings of the gallery, a considerable walk although they do have a mechanical walkway which helps, we finally found Boudin's works in the Modern Art wing of the museum, the East building. The only thing I knew about Boudin before I got there was that he specialized in beach scenes for the most part, and that he had tought Monet a few tricks when Monet as a teenager worked alongside him. I was very curious about this person who had so much influence in the entire impressionist movement.

In summary, Boudin was born and died in Normandy, France. In his early years as an artist, he would make money out of selling affordable drawings depicting beach scenes to the vacationers that were just starting to travel to the coast at that time. It had not been "in fashion" until then to go to the beach on vacation; however, as beach vacations became more popular among the wealthy from Paris, Boudin's paintings also did, and he was able to make a very good living from selling his oil paintings to the same people that sometimes he would complain about for invading his town. He called them "parasites" once in a while, but he would then redeem himself by recognizing that they had probably "worked very hard to become so wealthy".

Boudin captured the light, the wind, and the actions as they occurred. It is known that many of his paintings still have grains of sands mixed in them. I think I saw some of them when I got very close to some of the paintings. Boudin was the transition to the Impressionist period; he even said, very modestly may I add: "I may well have had some small measure of influence on the movement that led painters to study actual daylight and express the changing aspects of the sky with the utmost sincerity."

My favorite painting at this exhibit was the one above. It is called the Beach at Villerville and if you click twice over it, you will be able to see it in more detail. It depicts a group of people at sunset. The faces are not clear, because Boudin was interested in the scene, not the characters in particular. There is movement, the wind on the women's dresses and on the ocean. Look at the horizon in this painting. It is just amazing as the colors of the light from the sky at sunset mix with the color of the ocean, yet the line of the horizon although delicate, it is as real as if we were there at that beach looking at this sunset...

If you want to see more works from Boudin, click here


IN SPANISH

Hoy el dia estaba perfecto para irse a pasear por Washington, DC, Asi es que con mi amiga Lorena nos fuimos para alla. Me interesaba ver la exposicion de Eugene Boudin en la Galeria Nacional de Arte. Asi, despues de caminar entre las alas este y oeste de la galeria, una distancia considerable aunque tienen una pasarela mecanica entre las dos alas lo que ayuda, finalmente encontramos los trabajos de Boudin en la parte de Arte Moderno del museo, el ala este. Lo unico que yo sabia de Boudin antes de mi visita fue que el se especializaba en pinturas de la costa francesa, las playas, y que Monet habia trabajado como su ayudante siendo un adolescente. Estaba muy curiosa de aprender mas acerca de esta persona que tuvo tanta influencia en el movimiento impresionista.

En resumen, Boudin nacio y murio en Normandia, Francia. Durante sus primeros anos como artista, se ganaba la vida vendiendo dibujos relativamente baratos que mostraban escenas de playa. No habia estado "de moda" hasta entonces el ir a la playa de vacaciones; sin embargo, en la medida en que las vacaciones en la playa se pusieron mas de moda entre los millonarios de Paris, las pinturas de Boudin tambien acogieron popularidad entre los mismos. Asi, el podia ganar un muy buen sustento gracias a la misma gente a la cual el llamaba parasitos algunas veces para despues arrepentirse de sus palabras y reconocer que "habian trabajando muy duro para llegar a tener tanto dinero".

A Boudin le gustaba representar los hechos asi como pasaban, instantaneamente, para poder capturar la luz, el viento, y las acciones. Se dice que muchos de sus cuadros tienen hasta granos de arena mezclados con la pintura. Creo que vi algunos cuando me acerque bastante buscando detalles como estos. El fue la transicion al periodo Impresionista, incluso lo reconocio muy modestamente, a mi parecer, cuando dijo " ... puede que yo haya tenido una pequena medida de influencia en el movimiento que llevo a los pintores a estudiar la luz del dia y a expresar los cambios en el aspecto de la linea del cielo con la sinceridad mas extrema."

El cuadro que mas me gusto en esta exposicion fue el de arriba. Se llama la Playa de Villerville y si lo pinchan dos veces lo podran ver mas en detalle. Muestra un grupo de gente al atardecer. Los rostros no estan definidos porque Boudin estaba interesado en las escenas y no en los personajes en particular. Hay movimiento, el viento en los vestidos de las mujeres y en el mar. Observen el horizonte en esta pintura. Los colores son simplemente impresionantes en la medida que los colores de la luz proveniente del cielo al atardecer se mezclan con el color del oceano, y la linea del horizonte aunque delicada es tan real como si nosotros estuviesemos en "esa" playa mirando "ese" atardecer.

Si quieres ver mas de Boudin, pincha aqui